Artistas participantes
Un total de 36 artistas de 18 países muestran su trabajo en esta primera Bienal de Burgos. Creadores con larga trayectoria comparten cartel con figuras incipientes del arte contemporáneo. Los tienes a continuación.
Artistas (orden alfabético)
sede: 4. Instituto de la Lengua
La sala de exposiciones del Instituto Castellano Leonés de la Lengua acogerá durante el periodo de duración de la Bienal un proyecto pensado para dicho espacio a cargo de Fausto Amundarain.
Nacido en Caracas en 1992, Fausto es un artista visual cuya investigación se fundamenta en diversas referencias, explorando inicialmente las identidades reflejadas en íconos infantiles, cómics, fotografías de prensa y otros elementos del imaginario colectivo. Esta exploración implica un proceso interpretativo que refleja una obsesión observada, traduciéndose en un cuidado minucioso por cada imagen, elemento o hallazgo.
Su producción artística se centra en generar potentes estímulos interpretativos con una alta elaboración técnica, poniendo énfasis en la meticulosa construcción de proyectos. Estudió Arte y Diseño en Caracas en 2010, perfeccionando posteriormente sus habilidades en serigrafía, dibujo y pintura en Nueva York en 2014.
sede: 15. Sala Capitular
La artista sudafricana, que ya conquistó el CAB de Burgos con su exposición individual del año 2009, continúa practicando su elocuente y sofisticado lenguaje visual arraigado en la contemplación y la introspección, tanto de sí misma como del mundo que la rodea.
Obras que hablan de experiencias reales, ya sea directamente a través de referencias a momentos vividos o de forma más sutil mediante episodios completamente construidos mediante la fotografía. Dichas fotografías meticulosamente elaboradas se sitúan entre la ficción y la realidad y es a través de esos fragmentos aparentemente dispares, que Baker investiga el mito y crea nuevas narrativas.
A menudo, rodeada de numerosos colaboradores en tomas específicas que (fotógrafo, patronista, costurera, utilería, bordado, pintores de telones de fondo, escenografía, iluminación de efectos especiales, vestuario de efectos especiales, etc.), transfiere, pues, al mundo del arte, los modos adquiridos desde 1999 como estilista de vestuario para la industria cinematográfica (principalmente para anuncios).
Pero son muchos más los medios que la artista maneja. Con especial predilección utiliza aquellos que desafian las convenciones del «arte culto», como materiales y técnicas domésticas, a saber: tejer, tricotar y coser, unidos por ejemplo a acciones performáticas para conectar con un público más amplio en espacios públicos.
Baker es pues una transgresora que difumina los límites entre diversas dualidades: arte y artesanía, memoria y mito, realidad y ficción.
Para la Bienal de Burgos prepara un proyecto site specific para la Sala Capitular del Complejo “Ars Venerables”, un proyecto cultural de la Archidiócesis de Burgos y Batea Restauraciones en el antiguo convento de la Santísima Trinidad de Burgos
sede: 3. Quinta de San Agustín
Proyecto: La sociedad de artes aplicadas
Actual profesor en el departamento de Dibujo y Grabado de la Facultad Bellas Artes, UCM. Es un artista de dilatada carrera centrada en el conocimiento de la realidad en forma de experiencia plástica. Sus investigaciones han ido desplazándose desde el dibujo al plano de la pintura -con una concepción espacial abierta y generadora de planos de color- hasta trabajos arquitectónicos y objetuales, muy cerca de la escenografía. Mantiene desde el inicio unos esquemas constructivos que varía y permuta, añadiendo su particular sentido del espacio y de color y manejando un ideario altamente estimativo del orden.
Colabora con estudios de arquitectura, (con desarrollos conocidos en el Hospital Niño Jesús y Hospital Laguna en Madrid, Colegio El Serrrallo, Granada, Juzgados de Almagro, entre otros) y mantiene su investigación personal de forma simultánea en múltiples apartados como el mobiliario doméstico y urbano (La línea sueña. Beijing Design Week. China).
En esta dirección, presenta una cuidada selección de sus últimos trabajos en la Quinta de San Agustín.
sede: 7. Capilla del Instituto Cardenal López de Mendoza
Proyecto: Videojuegos independientes
Un estudio de corte artesanal e independiente enfocado en la creación de experiencias minimalistas de atmósfera íntima y cuidada narrativa. Con un equipo compacto que prioriza el diseño de autor, su trayectoria se centra en explorar la mística del folclore y la contención visual, demostrando cómo los equipos de escala reducida pueden evocar mundos de una gran carga poética.
sede: 12. Museo del Retablo
El trabajo artístico de la coreana Sunah Choi gira en torno a la tensión entre ideas, formas y materiales aparentemente contradictorios. Observaciones de la vida cotidiana y la cultura visual se condensan en composiciones que juegan con la antítesis, perturbando lo familiar y abriéndose al cuestionamiento. Para la artista, los objetos, las esculturas y las instalaciones son momentos dentro de un proceso continuo que interroga los patrones de percepción y explora el potencial escultórico de las formas y las ideas. El contexto espacial —a menudo específico del lugar— no es un telón de fondo neutro, sino una parte esencial del significado de la obra.
La atraen las construcciones y formas que establecen conexiones asociativas con la arquitectura y los objetos de uso cotidiano, a la vez que evocan capas de significado social e histórico. La estantería y el mobiliario de almacenamiento son un ejemplo idóneo: como objetos simbólicos y una especie de arquitectura en miniatura, que traduce a su obra artística.
En su trabajo intenta preservar esta complejidad: crear objetos que resulten familiares y, a la vez, abiertos, que inviten a proyectar los propios pensamientos en los espacios vacíos que dejan.
Para la Bienal de Burgos, Sunah trabajará con la iglesia de San Esteban que alberga en su interior un museo de retablos de los siglos XVI al XVIII procedentes de la provincia de Burgos.
Foto: Diana Pfammatter
sede: 7. Capilla del Instituto Cardenal López de Mendoza
Proyecto: Videojuegos independientes
Este aclamado colectivo valenciano, compuesto por Jordi de Paco (diseño y guion), Marina González (arte) y Paula Ruiz «Fingerpit» (música), es una de las voces más autorales e internacionales del videojuego independiente. Su portafolio destaca por abordar dilemas éticos, existencialistas y de identidad a través de un uso magistral del pixel art y sistemas de juego experimentales.
sede: 13. CAB
Kim Dorland expande los límites de la representación pictórica mediante la exploración de la memoria, el material, la nostalgia, la identidad y el lugar. Inspirándose profundamente en el paisaje canadiense y en un profundo conocimiento de la historia y el lenguaje de la pintura, sus obras transitan entre escenas libres pero reconocibles y pasajes de abstracción: empastes densos que se combinan con delicadas manchas, veladuras y cualquier material o técnica necesaria para crear lo que él describe como una «discordia armoniosa».
En su primera gran exposición en España, la que prepara para el CAB, reunirá pinturas antiguas con piezas nuevas realizadas en los últimos meses. Creadas durante un período intensamente personal, reflejan la experiencia de Dorland como cuidador de su esposa, diagnosticada con una enfermedad terminal y que se encuentra en su fase final. Las obras recorren recuerdos de juventud, familia, amor y la vida que construyeron juntos, al tiempo que confrontan la realidad de que su tiempo juntos llega a su fin.
Al mismo tiempo, la exposición trasciende la autobiografía. A través de lo profundamente personal, Dorland reflexiona sobre formas más amplias de pérdida y erosión, en particular la acelerada decadencia del mundo natural presenciada en el transcurso de una sola vida. El dolor personal y el colapso ambiental se entrelazan: el amor, la mortalidad y la fragilidad del hábitat se reflejan en la pintura, la superficie y la imagen.
Este período también ha llevado a Dorland a cuestionar su propia relación con la pintura y con la narración misma: ¿Por qué pintar? ¿Por qué exponerse de forma tan completa y pública? La respuesta reside en el acto de dejar un legado. En última instancia, la historia se convierte en una forma de supervivencia: un registro de experiencia, memoria y cuidado.
Junto a estos temas, Dorland continúa experimentando con formas narrativas más explícitas. Dibujos y pinturas se conectan a través del espacio, el tiempo y el pensamiento, desplegándose como fragmentos vinculados en lugar de imágenes aisladas. Transitando fluidamente entre la representación, la intimidad y el paisaje, la exposición considera cómo la experiencia individual puede abrirse a algo colectivo: la impermanencia del cuerpo, la inestabilidad de la memoria y la experiencia compartida de vivir en un mundo en decadencia.
sede: 9. Museo de Burgos
Ieva Epnere (1977) se graduó en el Departamento de Textiles (2001) y en el Departamento de Comunicación Visual (2003) de la Academia de Arte de Letonia, y realizó estudios de posgrado en HISK Gante (2012).
La práctica artística de Ieva Epnere gira en torno a la exploración de temas como la identidad, la memoria y la historia. Trabaja con diversos medios, incluyendo vídeo, fotografía, arte textil e instalaciones, incorporando a menudo narrativas personales y colectivas para crear una experiencia profunda e introspectiva para el espectador. El notable enfoque estilístico de Epnere combina la narrativa documental, la poesía visual y una aguda capacidad para capturar la esencia de sus sujetos dentro del contexto de paisajes sociales e históricos más amplios.
Su proyecto para el Museo de Burgos aúna las historias de tres de los elementos básicos en la colección de un museo: La historia personal del artista, la historia que guardan las propias obras de arte y la propia historia de la institución que las alberga.
sede: 18. Museo de la Evolución Humana
Desde el año 2009, Santiago Escobar Jaramillo utiliza el lenguaje fotográfico para no dejar caer en el olvido y mantener la llamada de atención sobre las problemáticas de su pais Colombia. Unas vinculadas al acontecer nacional y su largo conflicto armado; otras, a los procesos de duelo y resiliencia que han llevado a cabo quienes se han visto afectados directamente por la guerra. Haciéndonos la pregunta más importante que nos debemos hacer como sociedad: cómo reparar a quienes la guerra les impuso una historia que no pidieron, guerra a la que se le quiso empezar a poner fin con una firma y un apretón de manos en 2012 pero, para nuestra tragedia sigue replicándose.
En el caso concreto del Museo de la Evolución Humana, el fotógrafo presentará un proyecto que vuelve a incidir en la dicotomía a la que se enfrenta un pueblo colombiano que debe elegir entre continuar con una forma de vida pacífica basada en la complicidad con el territorio que los acoge y otra advenediza llegada del exterior que se convierte en una permanente tentación.
Foto: Rafael Delafiut
sede: 7. Capilla del Instituto Cardenal López de Mendoza
Proyecto: Videojuegos independientes
Fundado en Madrid por los hermanos Alberto, Luis y Carlos Oliván, este estudio se ha consolidado como un referente de la narrativa interactiva y la sátira social en España. Su trayectoria destaca por revitalizar las mecánicas clásicas de la aventura gráfica para construir distopías contemporáneas cargadas de humor negro y crítica sociopolítica.
sede: 1. Antigua capilla del Hospital Militar
El trabajo del artista cubano Luis Gárciga se sitúa en las intersecciones entre arte, tecnología, ciencia y pedagogía, entendidas como campos superpuestos y como sistemas de producción de conocimiento en permanente fricción. Su práctica se articula desde una condición híbrida: como ingeniero de formación, artista visual e investigador.
A través de instalaciones, videomapping, obras fílmicas y dispositivos escénicos y documentales, investiga los modos en que las imágenes técnicas, los datos y las narrativas digitales reconfiguran nuestra relación con el territorio, la memoria y los saberes tradicionales. Una parte central de su trabajo se ha concentrado en el desarrollo del videomapping artesanal como estrategia estética y política: un uso de la tecnología que rechaza la espectacularización industrial para explorar formas locales, precarias y críticas de producción visual, estrechamente vinculadas al contexto específico de cada emplazamiento.
En sus proyectos más recientes, la ciencia ficción opera como metodología de investigación y como herramienta especulativa. Lejos de lo futurista entendido como promesa tecnológica, utiliza la ciencia ficción como un dispositivo para fragmentar, recombinar y relativizar los relatos antropocéntricos modernos, proponiendo lecturas alternativas sobre las relaciones entre humanos, máquinas, naturaleza y sistemas de poder. Estas ficciones situadas funcionan como ensayos visuales que ponen en crisis las narrativas hegemónicas del progreso, la innovación y la objetividad científica.
La capilla del antiguo convento adjunto al hospital Militar, hoy parte del campus universitario de la UBU acogerá su proyecto específico.
sede: 3. Quinta de San Agustín
Proyecto: La sociedad de artes aplicadas
Joaquín Gilabert López, natural de Arboleas (Almería) es Licenciado en Bellas Artes, especialista en conservación y restauración de obras de arte.
Compagina su actividad de restaurador con la de espartero, afición a la que se dedicó a partir de los 11 años de edad, siendo en la actualidad un profesional que cuenta por tanto con una experiencia de más de 40 años en este oficio en el que vuelca toda la creatividad propia de un artista.
Las delicadísimas piezas de esparto que Joaquín realiza, de complicadísima y laboriosa realización además, se convirten así en auténticas obras de arte.
Con ellas ha participado en varias exposiciones y últimamente fue seleccionado para la exposición “Interwoven” en la Real Fábrica de Artillería de Sevilla.
Para la Bienal de Burgos presenta una cuidada selección de estas piezas.
sede: 7. Capilla del Instituto Cardenal López de Mendoza
Proyecto: Videojuegos independientes
Fundado en Barcelona por profesionales con amplia experiencia en la industria (como Javier Ramello), este estudio nació con la firme vocación de crear videojuegos con un fuerte impacto social y un alto valor de producción. Su trayectoria internacional se ha consagrado gracias a su capacidad para hibridar una factura técnica impecable con un profundo compromiso ético y ecologista.
sede: 3. quinta de san agustín
Honey & Bunny, recientemente aclamados tras la publicación en 2025 de un extenso artículo sobre su trabajo en el New York Times , desembarcan en la Bienal de Burgos, con una performance pensada específicamente para la inauguración que tendrá lugar en una de las sedes del evento: La Quinta de San Agustín.
Honey & Bunny es un proyecto interdisciplinario de arte y diseño, fundado por Sonja Stummerer y Martin Hablesreiter en Viena. Estudiaron arquitectura en Viena, Londres y Barcelona. Tras graduarse, trabajaron un año como arquitectos en Tokio, Japón, antes de fundar honey & bunny en 2003. Participaron como artistas de arte climático, arte feminista y arte gastronómico, además de diseñadores de alimentos, en numerosas exposiciones individuales y colectivas internacionales, entre ellas en Londres, Nueva York, París, Shanghái, Pekín, Ciudad del Cabo, Zúrich, Viena, Salzburgo, Milán, Ámsterdam, Gwangju y Hannover. Desde 2011, realizan performances sobre sostenibilidad, limpieza y alimentación en Londres, Nueva York, Milán, París, Viena y Salzburgo.
Sonja Stummerer y Martin Hablesreiter han publicado seis libros ilustrados sobre comida, alimentación y limpieza, han impartido clases en varias universidades de Austria, España, Alemania, Italia, República Checa, India, Turquía y Rumanía, y han dado numerosas conferencias internacionales.
sede: 14. Ars Venerables
Zhanna Kadyrova, nacida en 1981 en Brovary, Ucrania, es artista y fue miembro del Espacio Experimental Revolucionario (EPR). Se graduó en la Escuela Estatal de Arte Taras Shevchenko, en el departamento de escultura, y recibió premios como el Premio Kazimir Malevich (2012) y el Gran Premio del Proyecto de Escultura de Kiev. También obtuvo premios del Centro de Arte Pinchuk, entre ellos el Premio Especial (2011), el Premio Principal (2013) y el Premio Especial – Futura Generación Internacional (2014). En 2025, ganó el Premio Nacional Taras Shevchenko de Ucrania en artes visuales, convirtiéndose en la primera mujer en 20 años en recibir esta distinción. Ganó el Premio Her Art 2025 para artistas femeninas internacionales, iniciativa de Marie Claire en colaboración con Boucheron. Vive y trabaja en Kiev.
La práctica artística de Kadyrova, que desde sus inicios abarca disciplinas tan diversas como la escultura, la fotografía, el vídeo y la performance, se centra profundamente en el espacio y el lugar de exposición. En su obra, la cuestión del contexto se desvela para revelar el ritmo de la historia en constante movimiento: el de un mundo cuyas múltiples capas se desvanecen tras su inmediatez.
A menudo, apartándose de los cánones estéticos del ideal socialista aún presente en el patrimonio de la Ucrania contemporánea, la perspectiva de Kadyrova se nutre, en parte, de los valores plásticos y simbólicos de los materiales de construcción urbanos. Así, la cerámica, el vidrio, la piedra y el hormigón cobran protagonismo en su obra.
Kadyrova trabajaba en varios proyectos específicos para un lugar determinado hasta que la guerra desatada por Rusia contra Ucrania en febrero de 2022 cambió todos sus planes. De marzo a junio de 2022, trabajó en el proyecto humanitario PALIANYTSIA desde su nuevo hogar en los Cárpatos. Este proyecto se ha exhibido en todo el mundo, incluyendo Italia, Alemania, Noruega, Japón, Francia, Estados Unidos, Suecia, Austria, Georgia, Rumania, Tailandia e India. En junio de 2022, Kadyrova regresó a Kiev y creó nuevas obras sobre la guerra, que se presentaron en su primera gran retrospectiva en Kunstverein Hannover (Alemania) en 2023. Ese mismo año, se mostró otra importante exposición, Flying Trajectories, en el PinchukArtCentre de Kiev. Kadyrova también participó en la muestra From Ukraine: Dare to Dream, comisariada por el PinchukArtCentre como evento paralelo de la 60.ª Exposición Internacional de Arte — La Biennale di Venezia en 2024. En 2024, su exposición Unexpected en la Galerie Rudolfinum de Praga (República Checa) fue reconocida como una de las «Diez Mejores Exposiciones de Europa en 2024» por la revista Frieze. En 2025, participó en la BIAM, la Bienal de Medellín y Antioquia, Colombia, y presentó una importante exposición individual en la Galería Arsenal de Bialystok, Polonia. Actualmente representa a Ucrania en el Pabellón Nacional de la 61.ª Exposición Internacional de Arte — La Biennale di Venezia.
Su obra ha sido expuesta a nivel nacional e internacional, incluyendo exposiciones en Galeria Arsenal, Bialystok (Polonia), Kunstverein Hannover (Alemania), Stavanger Museum (Noruega), Kunstforum Wien (Austria), Eretz Istael Museum Tel Aviv (Israel), Centre Pompidou, Palais Tokyo, La Kunsthalle Mulhouse (Francia), Kunstraum Innsbruck (Austria) Ludwig Museum, Budapest. (Hungría), Museo de Arte Moderno, Castillo Uyazdovski, Varsovia (Polonia), Spinnerei Leipzig, Badischer Kunstverein, Karlsruhe, DAAD, Zimmerstrabe, Berlín (Alemania), Unión Nacional de Arquitectos e Ingenieros de la Construcción de Cuba, La Habana (Cuba), Museo Sara Hilden, Tampere (Finlandia), Centro Municipal de Arte de Lviv, Lviv, Museo Nacional de Arte de Ucrania y PinchukArtCentre, Kiev (Ucrania), La Bienal di Venecia (Italia), Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea (Italia).
ARS VENERABLES, el proyecto cultural de la Archidiócesis de Burgos y Batea Restauraciones en el antiguo convento de la Santísima Trinidad de Burgos acogerá la aportación de Zhanna Kadirova a la Bienal.
sede: 16. SALÓN DEL TRONO, Palacio de Capitanía
Meiro Koizumi (nacido en 1976 en Japón) es un artista japonés contemporáneo conocido principalmente por sus videoinstalaciones. Una de ellas, inédita para el público español, es la que presentará en el Salón del Trono. Suele explorar temas como la historia reprimida, el nacionalismo, el trauma, la guerra y la psicología de masas en la sociedad japonesa contemporánea. Ha alcanzado reconocimiento internacional por sus videoinstalaciones, que a menudo incluyen recreaciones o escenarios escenificados, abordando complejos problemas sociales y políticos con especial atención a los aspectos psicológicos del comportamiento humano. Su obra experimental de teatro en realidad virtual, «Prometeo encadenado», ganó el Gran Premio en la 24.ª edición de la División de Arte del Festival de Artes Mediáticas de Japón. En 2021, recibió el Premio Artes Mundi (Cardiff, Reino Unido).
Entre sus exposiciones individuales destacan “Theaters of Life” en el Museo De Pont (2015), “Good Machine Bad Machine” en la Galería Annet Gelink (2023), “Battlelands” en el Instituto de Bellas Artes de Minneapolis (2019), “Battlelands” en el Museo de Arte Pérez de Miami (2018), “Portrait of a Failed Silence”, MUAC, Ciudad de México (2015), y “Project Series 99: Meiro Koizumi” en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2013). Entre las exposiciones colectivas recientes se incluyen la 14.ª Bienal de Gwangju (2023), “Listen to the Sound of the Earth Turning”, Museo de Arte Mori (2022), Trienal de Aichi (2019), “Leaving Echo Chember”, Bienal de Sharjah 14 (2018), “Proregress”, 12.ª Bienal de Shanghái (2018), 9.ª Trienal de Asia Pacífico, Brisbane (2018).
sede: 19. Ribera del Río Arlanzón (Pasarela de la Evolución)
Gabriel Kondratiuk, artista argentino residente en Austria, despliega su trabajo entre el dibujo, el paisaje y la escultura. Parte de una idea que le incomoda y es que el mundo es algo dado, estable y completamente visible, por eso le interesa zambullirse en ese territorio incierto donde lo que vemos no termina de explicar del todo lo que está ocurriendo.
En palabras del propio artista: “Me gusta situarme en una frontera entre lo que sé, lo que veo y lo que intuyo, dejando siempre un espacio para aquello que permanece latente o aún no termina de definirse. A través del dibujo, la pintura, el collage y la xilografía, aparecen figuras híbridas, estructuras vegetales, signos y formas ambiguas que oscilan entre organismo, paisaje, memoria y presencia. No me interesa construir narraciones cerradas ni representar imágenes de manera descriptiva, sino reorganizar relaciones e intervenir en la percepción, permitiendo que las formas permanezcan abiertas y en transformación constante.
La memoria opera en mi trabajo no como archivo sino como materia activa, donde lo vivido, lo imaginado y lo intuitivo se mezclan y se transforman continuamente. En ese cruce, lo humano, lo natural y lo simbólico permanecen profundamente entrelazados.
En los últimos años, muchas de estas formas comenzaron a desplazarse hacia el espacio. Algunos dibujos contenían ya esa posibilidad latente, y el trabajo empezó lentamente a expandirse hacia estructuras, recorridos y situaciones donde el dibujo deja de ser solamente algo que se observa para convertirse también en una experiencia física y sensible”.
Ese desplazamiento es el núcleo de su proyecto site specific que prepara para uno de los márgenes del río Arlanzón.
sede: 3. Quinta de San Agustín
Proyecto: La sociedad de las artes aplicadas
Alicia Larraín, artista chilena de sólida y larga trayectoria, ha manifestado siempre una clara preocupación por el devenir del ser humano en toda su producción artística, mayoritariamente dibujo y pintura. Sin embargo, alguno de sus objetos escultóricos encierra un gran interés formal que queda patente en su pieza para “la sociedad de las artes aplicadas”.
Los desplazamientos de los seres humanos, sus impulsos, sus desafíos, sus búsquedas, sus aspiraciones, sus temores, sus frustraciones, sus esfuerzos, sus oscilaciones, todos esos conceptos se materializan en metáforas de acero, vidrio y luz y contribuyen a abrirnos los ojos ante una artista de marcada personalidad y compromiso cuya obra nos proporcionará la posibilidad de vernos reflejados.
sede: 7. Capilla del Instituto Cardenal López de Mendoza
Proyecto: Videojuegos independientes
Un sugerente puente creativo transcontinental que une al veterano estudio de desarrollo peruano LEAP Game Studios con el reconocido colectivo de animación y arte tradicional Hermanos Magia (Mateo y Luis Alayza). Esta sinergia se caracteriza por fusionar la solvencia técnica en el diseño de juego con el grabado, la ilustración clásica y el realismo mágico latinoamericano.
sede: 13. centro de arte contemporáneo cab
Una de las más internacionalmente reconocidas representantes de la llamada Escuela de Helsinki, forjada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de dicha ciudad.
Caracterizada por el interés de sus integrantes en la investigación sobre nuevas técnicas fotográficas que apoyen sus objetivos de tratar la naturaleza y el cuerpo humano y la relación entre ambos conceptos desde un nuevo enfoque en el que la carga emocional, las experiencias y las emociones de la vida privada son los protagonistas.
El CAB tiene el privilegio de presentar su primera gran exposición individual en España a modo de recopilatorio/selección de un importante número de trabajos desde el año 2012 hasta hoy.
sede: 11. Llana de afuera
SEDE 21: EL SILO
Zilla Leutenegger, nacida en Zúrich en 1968, es una de las artistas suizas más reconocidas de la actualidad. Su apertura y curiosidad respecto a los medios y materiales de su expresión artística se han convertido en su sello distintivo. Centrada en el estilo, el motivo y el mensaje, se ha convertido en una artista multidisciplinar. Además del dibujo y el grabado, su obra abarca videoarte y fotografía, instalaciones en espacios públicos y performance. Sin embargo, en esta pluralidad prevalece cierta homogeneidad: el trazo expresivo de la artista, la línea en el espacio, que a menudo delimita áreas de color intenso, está presente en casi todos los medios.
Independientemente de la forma técnica en que sus líneas se manifiesten en los diferentes medios, Zilla Leutenegger sigue siendo una dibujante. Los dibujos esquemáticos y representativos que capturan movimientos y situaciones de manera concisa se han convertido en su sello artístico. Como en un diario, las figuras de Leutenegger —que se mueven con gran soltura a través de cualquier medio— revelan una visión lúdica de las bellezas y los desafíos de la vida cotidiana. Surge una poesía que nos permite contemplar desde una perspectiva completamente diferente lo que supuestamente nos resulta demasiado familiar. El humor y la ligereza sustentan esta visión y constituyen, además, elementos clave de la obra de Leutenegger.
Sus obras se han expuesto en museos internacionales durante unos 30 años, entre ellos la Pinacoteca de Arte Moderno de Múnich, el Museo Franz Gertsch de Burgdorf, el Kunsthaus Zürich, el Museo de Arte Moderno de Salzburgo, el Palais Populaire del Deutsche Bank en Berlín y la Fundación de Arte Osage de Hong Kong. Sus obras se pueden encontrar en numerosas colecciones institucionales, entre ellas el Kunstmuseum Basel, el Museum Kunstpalast de Düsseldorf, el Aargauer Kunsthaus, el Centro Gallego de Arte Contemporànée de Santiago de Compostela, el Museo d’arte moderna e contemporanea de Bolzano y la Colección Goetz de Múnich.
La llana de afuera, frente al exterior de la Capilla del Condestable, acogerá una de sus espectaculares video instalaciones.
Foto: Maurice Haas
SEDE: 20. RIBERA DEL RÍA ARLANZÓN (PASEO DE LA QUINTA)
SEDE: 3. QUINTA DE SAN AGUSTÍN
Xavier Mañosa es un creador que se mueve en los territorios del diseño y el arte utilizando la cerámica como elemento común.
Su trabajo parte de una investigación continua: intentos de entender los materiales y procesos cerámicos —arcillas, fibras, esmalte— que no son medios sino el lugar donde ocurre el pensamiento. Cada material tiene su propia escala, su propio comportamiento, su propio límite. El esmalte es el otro eje: aplicado por capas, acumulado, vuelto a entrar al horno, es lo que permanece y lo que escapa al mismo tiempo. Su lógica es la de lo impredecible. Trabajar con él es aceptar que el proceso decide. El taller funciona bajo esa misma lógica: los accidentes no interrumpen el trabajo, lo estructuran. Cuando una pieza sobrevive todas las muertes posibles del proceso, lo que aparece no es satisfacción, sino la certeza de que hay que volver a empezar.
Sus esculturas cerámicas, de un cierto aspecto brutalista que esconden sin embargo un certero dibujo que el artista se empeña en hacer desaparecer, nos sorprenderán en las márgenes del río Arlanzón a la altura de la Quinta. ç
Foto: Jara Varela
sede: 13. cENTRO DE ARTE CAJA DE BURGOS Cab
Con las mismas constantes que han hecho de su pintura una de las más personales del arte actual español, Fernando Martín Godoy acepta para la Bienal de Burgos el encargo de lanzarse a un terreno, como es el de la animación, desconocido para el artista, pero propicio para volcar en él las que vienen siendo las constantes de su trabajo desde hace años.
El despoblamiento de la imagen, un tratamiento de la luz que dota a la escena de una misteriosa y metafísica atmósfera, la ausencia de color y la tensión que se podría cortar en cada una de sus composiciones, volverán a las obras que presentará en el CAB durante el periodo de la Bienal.
Fernando Martín Godoy nació en Zaragoza en 1975 y vive y trabaja en Londres. Tras ser naturalizado como ciudadano británico en 2022, posee doble nacionalidad y está basado en ambos países. Su trabajo se ha visto en diversas galerías de arte y en espacios institucionales como el CAB de Burgos, el SCAN Project Room de Londres, el Centro Guerrero de Granada, la Fondation Suisse de París o la White Box de Nueva York. Su trabajo ha sido reseñado en medios como El País, Babelia, Exit Express, ABC Cultural, ArtDependence, El Cultural o Juxtapoz Magazine. Sus obras están presentes en un buen número de colecciones institucionales españolas y en colecciones privadas en España, Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Suiza, Japón, Hong Kong o EEUU.
sede: 21. El Silo
Proyecto: Acuérdate de mí
Los proyectos de Pilar Millán se desarrollan en forma de investigaciones multidisciplinares en torno al tema de las fronteras —culturales, económicas, políticas— y su impacto en la sociedad actual. Desde una perspectiva transcultural, mi trabajo surge de la observación de las transformaciones en la cultura de la sociedad industrial y su memoria, trabajando con el paisaje, el espacio y la comunidad a diversos niveles, al tiempo que busco y trato de recuperar los mecanismos que generan identidad y memoria(s) colectiva(s) derivadas de dichos procesos históricos.
Los mitos son a veces el punto de partida de la mayoría de mis proyectos de investigación como arqueología de las ideas comunes a la humanidad y sus manifestaciones contemporáneas. En una investigación material y conceptual que intenta localizar las lagunas en los sistemas narrativos occidentales, mis proyectos se abren a diferentes procesos participativos y colaborativos con comunidades específicas en distintos continentes, como en su reciente colaboración con la comunidad de mujeres waorani en Ecuador en la XVII Bienal de Cuenca.
Pilar Millán trabaja en la actualidad en un nuevo proyecto específico para la Bienal de Burgos que se mostrará en el Silo de Gamonal.
sede: 9. Museo de Burgos
Diego Movilla, el artista burgalés afincado en Francia desde hace veinte años continúa su particular exploración de la inestabilidad de la imagen, sus condiciones de emergencia y sus umbrales de visibilidad.
Pintando a la manera de los grandes maestros de la historia del arte, afirma, mediante gestos de dilución, borrado y arrepentimiento, la dimensión circulatoria y transitoria de la imagen.
La imagen registra así con rapidez, en su materialidad física y digital, sus múltiples desplazamientos técnicos y mediáticos, indexando de este modo las perturbaciones, fracturas y transformaciones del mundo.
Su proyecto para la bienal se despliega en un entorno favorable a sus disquisiciones conceptuales y formales, el Museo de Burgos.
sede: 7. Capilla del Instituto Cardenal López de Mendoza
Proyecto: Videojuegos independientes
Con sede en Barcelona y cofundado por el programador Roger Mendoza, el desarrollador Adrián Cuevas y el reconocido artista plástico Conrad Roset, el estudio ha revolucionado la escena global difuminando las fronteras entre el videojuego y las bellas artes. Su trayectoria está marcada por un lenguaje visual pictórico imponente y una sensibilidad única para traducir el peso de las emociones humanas en mecánicas jugables.
sede: 3. Quinta de San Agustín
Proyecto: La sociedad de las artes aplicadas
La práctica artística visual de Lucy Orta investiga las interrelaciones entre el cuerpo individual y las estructuras comunitarias, explorando sus diversas identidades y formas de convivencia. Trabaja con una gran variedad de medios, incluyendo dibujo, escultura textil, fotografía, cine y performance, para crear obras singulares. Entre ellas hábitats portátiles y autónomos que reflexionan sobre la movilidad y la supervivencia humana; prendas y accesorios que dan forma a cuerpos modulares y colectivos a través de la metáfora del vínculo social y esculturas portátiles que encarnan la vulnerabilidad y la resiliencia humanas. Colabora con comunidades a menudo aquellas en situación de exclusión, como personas privadas de libertad, solicitantes de asilo, personas sin hogar y residentes de albergues, empleando metodologías socialmente comprometidas e inclusivas.
Lucy Orta prepara su presencia con una gran escultura textil para “la sociedad de las artes aplicadas”
sede: 3. Quinta de San Agustín
Proyecto: La sociedad de artes aplicadas
Estefanía Padilla enmarca dentro del nombre “geometría orgánica” a unas piezas que se refieren a lo natural y lo humano, a la mano que hay detrás de sus objetos. Las formas parten de algo geométrico, pero nunca quieren ser simétricas, sino que se decanta por las texturas rotas y brutas, como las rocas y dunas fósiles que la rodean en su lugar de trabajo muy cercano a la costa almeriense y las realiza mediante curvas, pliegues, bordes irregulares, y asimetrías, o en el momento de esmaltar, dejando la huella de sus dedos.
Realiza sus objetos de forma deliberadamente improvisada, dejando las piezas en un estado de imperfección y aspereza o crudeza apropiadas. Esa forma de trabajar, en la que no usa torno, ni moldes y apenas herramientas, le imprime a las piezas una naturalidad que puede apreciarse tanto en las formas y texturas, como en los acabados.
Desde el encuentro con la arcilla su forma de trabajar ha sido muy intuitiva, para Estefanía modelar el barro es una suerte de meditación, algo de lo que siente durante el transcurso de hacerla cristaliza en ella una vez que pasa por el horno y está aparentemente terminada.
Estefanía Padilla forma parte del proyecto en la Quinta de San Agustín.
sede:.
10.1 Sombrerería Teodoro
10.2 Óptica Atienza
10.3 Serrano
10.4 Librería Luz y VIda
10.5 comercio POR CONFIRMAR
Joven artista malagueña que explora la libertad, el desarraigo y la búsqueda de autenticidad a través de imágenes y símbolos que aparecen de forma recurrente en su universo visual.
Partiendo de referencias ligadas al western y llevándolas a lo cotidiano y cercano, construye escenas y objetos donde conviven lo íntimo y lo simbólico. Trabaja principalmente con pintura y cerámica en pequeño y gran formato, interesada en crear atmósferas que conecten con algo intuitivo, vulnerable y profundamente humano más que construir narraciones cerradas.
Su proyecto para la Bienal ha sido elaborado en conexión con algunos de los comercios tradicionales burgaleses.
sede: 21. El Silo
Proyecto: Acuérdate de mí
Iván Pérez, Tineo, 1973, observador empedernido de la realidad circundante a él, combina fotografía, instalación y vídeo para observar las dinámicas sociales y ambientales de los entornos urbanos. A través de fragmentos e imágenes superpuestas, construye narrativas sobre la experiencia contemporánea del lugar. Su obra cuestiona la relación entre observador y espacio, generando sistemas de percepción en los que el propio espectador forma parte del dispositivo visual.
Web
sede: 3. Quinta de San Agustín
Proyecto: La sociedad de artes aplicadas
Lewis Prosser es un cestero, artista y curador de lo que el mismo denomina como “arte absurdo” afincado en Gales, Reino Unido. Utiliza técnicas tradicionales de cestería y performance para explorar temas como la identidad regional, el intercambio cultural y las ceremonias públicas. Su práctica investiga la relación entre los objetos tangibles y los elementos intangibles de la cultura: la memoria, el ritual y la práctica social, empleando la cestería para trazar conexiones entre objetos, lugares y la experiencia colectiva.
A través de formas especulativas y performances improvisadas, Prosser combina una artesanía meticulosa con momentos de imprevisibilidad y humor, resaltando las cualidades humanas inherentes al acto de crear. Le atrae la colaboración como una forma de subvertir la certeza, invitando a la sorpresa y la reflexión en la obra. Para Prosser, la artesanía y la performance son procesos compartidos que crean espacios donde el público y los participantes pueden experimentar la cultura como algo vivo, cambiante y cocreado.
Tras estudiar en la Escuela de Arte de Glasgow y con el colectivo autogestionado The School of the Damned, Prosser ha expuesto ampliamente por todo el Reino Unido. Entre sus proyectos recientes se incluyen Making Merrie (exposición itinerante y performance, financiada por el Consejo de las Artes de Gales) parte de las celebraciones del bicentenario de la National Gallery, con el apoyo de la Fundación Benéfica Colwinston y Superhouse New York. Para la bienal de Burgos prepara una nueva serie de piezas que a demás de exhibirse formarán parte del un nuevo juego-competición en vivo, a celebrar en la cancha de la Quinta de San Agustín.
sede: 5. Ribera del Río arlanzón (Puente de Castilla)
Tobias Putrih explora la relación entre los procesos artesanales y la producción digital, examinando cómo las herramientas, las simulaciones y los sistemas colaborativos dan forma a los espacios donde se produce y comparte el conocimiento. Realizará una instalación escultórica en los márgenes del río. Su obra reinventa cines, bibliotecas, parques infantiles, laboratorios y otros entornos colectivos a través de la fabricación experimental, la creación de maquetas prácticas y propuestas especulativas. Al involucrar a arquitectos, diseñadores, cineastas y científicos, Putrih pone de relieve las condiciones materiales, tecnológicas y sociales del aprendizaje, la imaginación y la experiencia colectiva.
Putrih ha expuesto en importantes museos de todo el mundo, como el Museo Boijmans Van Beuningen de Róterdam; la Fondazione Prada de Milán; el MIT List Visual Arts Center de Cambridge; el Kunsthaus Zürich y la Haus Konstruktiv de Zúrich; y el Centro Pompidou de París. Su obra ha aparecido en importantes exposiciones colectivas como TRACK en el S.M.A.K. de Gante; Forms of Resistance en el Van Abbemuseum de Eindhoven; Manifesta 4 de Fráncfort; y la 29ª Bienal de São Paulo. En 2007 representó a Eslovenia en la Bienal de Venecia. Las principales publicaciones sobre su trabajo incluyen tres monografías: JRP|Ringier (2007), Haus Konstruktiv (2012) y Hatje Cantz (2022).
Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas, entre ellas el Museo de Arte Moderno de Nueva York; Centro Pompidou, París; Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxemburgo; Museo Boijmans Van Beuningen, Róterdam; y el Museo Sprengel, Hannover.
sede: 13. cab
Fernando Renes lleva utilizando el dibujo y el color como armas para disparar balas de humor cáustico apoyadas en mensajes o textos a veces crítpticos, pero que revelan, en la mayoría de los casos, momentos
de la vida del artista tratados con elevadas dosis de ironía.
Su trazo, en cierto modo infantil o torpe, ha contribuido ha dotarlo de gran personalidad. Y a pesar de que desde 2014, después de 17 años viviendo en Nueva York y Roma, el artista decide volcarse en la cerámica para dar un soporte tridimensional y vernacular a sus piezas, no podemos olvidar que comenzó su práctica artística en los 90 con el dibujo y la animación como medios principales.
Es precisamente a esta disciplina, la animación, a la que el CAB quiere dedicar una especial atención organizando un nuevo proyecto con el artista que recoge una selección de todas las animaciones realizadas desde esos comienzos hasta nuestros días y presentando una nueva pensada específicamente para esta nueva presencia suya en el CAB.
Son muchos los centros de arte y museos de la escena internacional que han acogido la obra de Fernando Renes, entre ellos, el MUSAC Museo de arte contemporáneo de Castilla y León, León (2022), la Fundación BilbaoArte Fundazioa, Bilbao (2019); Genalguacil Pueblo Museo, Málaga (2024 y 2017); DA2 Salamanca (2015); La Casa Encendida, Madrid (2006) y TRANS>area, New York (2005) entre otras.
Su trabajo forma parte de las colecciones de la Fundación Botín, Santander; Centre d´art La Panera, Lleida; Fundación Federico García Lorca, Granada; MUSAC Museo de arte contemporáneo de Castilla y León, León; Colección Museo Artium–Gobierno Vasco, Vitoria–Gasteiz o Queens Museum of Art, New York.
También aparece en publicaciones como 100 artistas españoles (EXIT, 2008) o Vitamin D, New Perspectives in Drawing (Phaidon, 2005)
sede: 6. Ribera del Río Arlanzón (Puente Besón)
Continuando con sus reconocibles intereses por el color, la textura, el impacto visual y la experimentación matérica, Inés Santamaría prepara su impactante instalación con el río Arlanzón como anfitrión.
Descontextualiza objetos cotidianos utilizándolos como elemento constructivo y de acumulación, para transformarlos en esculturas e intervenciones artísticas visualmente seductoras que situadas en determinados espacios provocan el interés del espectador no sólo por ver, sino por tener que tocar y sentir la obra.
La búsqueda del espacio es uno de los pilares de su actividad creadora, puesto que la elección de éste es fundamental para conseguir hacer partícipe al espectador, lograr que la pieza no sea sólo suya finalmente, sino que pase a ser una obra colectiva, la suma de individualidades que finalmente forman un todo. El objeto se convierte en instrumento dinamizador que invita a participar, emocionarse y a identificarse con la obra, generando memoria colectiva.
Una obra que combina fuerza visual y carga conceptual invitando a reflexionar sobre el paso del tiempo,la vulnerabilidad, la fragilidad y la propia identidad humana.
sede: 13. cENTRO DE ARTE CAJA DE BURGOS Cab
El CAB acoge en sus salas una selección de videoclips musicales Chris, Jason y Kenny, que se hicieron amigos y colaboradores en la escuela de arte, donde formaron el equipo de dirección Shynola. Inmediatamente obtuvieron reconocimiento por su extraordinario trabajo cinematográfico, que combina de forma creativa animación imaginativa y performance en vivo. Son incansablemente innovadores, siempre creando obras nuevas y originales, lo que les ha permitido mantenerse vigentes durante unos 25 años.
Entre sus trabajos de videoclips se incluyen Radiohead, Beck, Blur, Coldplay, ABBA, The Rolling Stones y Lady Gaga, y Queens of the Stone Age. Entre sus clientes se encuentran Nike, Netflix, BBC, Audi, Lego y PlayStation. También crearon las secuencias de títulos más destacadas de «Scott Pilgrim vs. el mundo», «The IT Crowd», «Mandy», «GLOW» y «La guía del autoestopista galáctico».
Han recibido numerosos premios, entre ellos un British Independent Film Award, un Emmy y tres nominaciones más, además de múltiples galardones en los D&AD, los UK MVA y los MTV Awards.
Actualmente están desarrollando proyectos de televisión y largometrajes.
sede: 2. Ribera del río Arlaznón (Puente de Malatos)
Artista visual, docente e investigadora en artesanía y arte tradicional. Vive y trabaja en Banyoles, Cataluña. Su práctica artística incluye escultura, instalación, intervención, dibujo y arte documental. Se sirve de diferentes medios para plantear reflexiones en torno a la idea de territorio, la conciencia medioambiental, la cohesión con la naturaleza o el sentido de lo sagrado.
Su trabajo se articula a través de una íntima relación con la materia y mediante procesos artesanales –especialmente el tejido de fibras vegetales–; de los que se sirve para abordar cuestiones culturales, filosóficas e identitarias; atendiendo a las formas, a los paisajes y mediante la evocación de un imaginario mítico que, en cierto modo, mantiene la continuidad, cómo un hilo dorado y delgado, con una visión interrelacionada del ser humano con el mundo que le rodea.
Es profesora asociada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, donde también ha sido graduada, y es profesora colaboradora en la Universidad Elisava. Algunos de los proyectos que realiza incluyen espacios de participación abiertos a la población del sitio y a los centros educativos. También hace algunos años que ofrece de forma puntual talleres en torno al tejido de fibras vegetales y para abrir espacios de reflexión sobre el binomio arte-artesanía.
El margen derecho del río Arlanzón a la altura del Puente de Malatos acogerá la instalación de una escultura monumental pensada para esta ubicación.